色彩理论

色彩和谐:原则

布里奇特·赖利(Bridget Riley){1}区分图片颜色(制作照片所需的颜色)和感知颜色(日常的颜色经验:实际上是这样)。艺术家必须与两者一起工作,以绘画的方式重塑他们的感受。

艺术家还需要一种方法来创造自己的绘画现实。颜色理论的基础在19世纪成为重要的支持,但是其概念并没有得到一致的应用,而且并不总是正确的。(还需要强调的是,没有色彩的不可挑战的原则,也没有牢固的图片概念基础—也许同样如此,因为每种艺术敏感性都可以做出独特的表达。)

色彩史

尽管如此,某些趋势或一般原则在欧洲绘画中显而易见:{1}

提香(Titian)是第一位仅用色彩创造这种空间结构的艺术家。通过在整个绘画中以各种色调和色调变化来调制和拾取相同的颜色,他的图形统一性是通过颜色关系实现的-始终牢记并列​​创建的颜色也必须创建统一性。

Veronese和随后的Watteau采取了Titian的一些做法,即使用装饰,织物,建筑和物体作为媒介,在照片周围进行色彩处理。鲁本斯将自己的肤色成分带到绘画中的其他物体上。

卡拉瓦乔(Caravaggio)推出了可行的配方,将颜色简化为明暗对比。色调与色彩脱节,易于进行雕刻和教学,这一观念一直流行到19世纪的欧洲艺术中。

维拉斯克斯Velasquez似乎在使用明暗对比,但实际上使用灰色作为颜色,在温暖和凉爽之间徘徊以创造空间。

威猛(Vermeer)将原色(黄色和蓝色)集中在一起引起兴趣,然后将它们散布到绘画的其他部分。普桑做类似的事情,找到一些主导的颜色和弦进行编排。

德拉克洛瓦(Delacroix)通常在几年之前就在绘画之前就制定了配色方案。通常,当颜色减少时,他使用最大的色调对比度,而当颜色强烈时,则使用最小的对比度。

莫奈莫奈和印象派{2}使用了他们所谓的感知性“信封”-通常是通过成对的互补物来表示光和空气,互补物通过相互作用来诱导颜色,而诱导的颜色与原色之间是次要的相互作用。每幅画中可能有三对或更多对,这些对用来表示画家在大自然面前实际体验到的感觉。紫罗兰色的阴影很可笑,实际上(与理论相反),通常使用简单的黑色。

Seurat和Pointillists将颜色分为五类:局部,直接反射光,部分反射/吸收的光,局部颜色和环境互补色;然而,在实践中,Seurat仅采用了两个原则:他在暗色和暗色相遇时增加了色调的对比度。明亮的物体,并使用互补色并排放置在点中。

塞尚塞尚用单一错位的平面创建图片,编排颜色并简化形状。

立体主义者使用了简单的形状,但又通过颜色再次打开了深度

马蒂斯认为,如果可以用颜色来代表感觉的确切特征,那么该过程就可以颠倒过来,图案颜色可以创造出自己的感觉。

颜色分析

色彩理论的基础仅会影响当代画家。他们将需要进行自己的分析-确实,他们必须这样做。画家们继承了传统,但这是他们与通常做法的微小差异以及制作它们的原因,这很有启发性。以下是色彩和谐的一些分析:单击链接以更详细地查看艺术家的作品。

蒂埃波罗

蒂埃波罗Tiepolo倾向于使用互补和分裂类似物,但通常会添加其他颜色以产生变化。紫色很少使用。颜色倾向于鲜明或酸性。高光(通常为白色)占面积的10-15%,用于构图和对比度。白人很少纯净,但通常是乳脂状,绿色等。高光区域总是锯齿状并带有阴影,并大胆地绘画以赋予能量和运动感。深色调占面积的10-15%,但在合成中没有任何作用:用于建模和某种程度上的对比。构成要素的关键是大专院校(约占面积的40%),它们将较纯净的色彩联系在一起。在《摩西的发现》(对面)中,我们看到了从灰绿色长袍到背景的灰绿色植被到黄绿色的渐变。穿上阴影,穿上阴影的绿色黄色,穿上女王的鲜黄色礼服(中心人物)。连衣裙的粉红色衬里通过肉色与小丑的猩红色外衣相连:

布彻

Boucher是一位装饰画家:精致而女性。通常使用三色配色方案,但是两种颜色(通常为红色和绿色)非常明显,以至于该方案似乎是一种互补色。颜色为酸性和冷色,因此使肤色更加温暖。很少出现紫色,很少出现黄绿色。肤色为珍珠橙色,从不变粉红色:解剖结构很敏感,但骨骼几乎没有迹象,只有坚硬,柔软发光的皮肤。窗帘似乎总是丝质的:薄的,银色的和昂贵的。通常,绘画的重点是浅色,高光(天空和肉体)占面积的30%。天空是平静的,帷幔闪闪发光,肉发光。深色调很少会很深,并且往往很笨拙,经常出现在绘画的角落,占不到总面积的10%。色彩谐调比Tiepolo的更为有限,通常只是互补性的并置,从而产生了一种可以抵消场景余波的烦躁感。Boucher从未以Tiepolo的方式使用这些大学,

约翰·辛格·萨金特

歌手萨金特约翰·辛格·萨金特(John Singer Sargent,1865-1925年)以油画和水彩画风格,风景和肖像画(2500幅作品),但以肖像画(700幅)最为著名。他在美国人和暴发户中非常受欢迎,他通过存在和不满投资于他们。他从小就开始绘画,在Carolus-Duran的指导下学习,并于1879年画出了可以接受的肖像。他的“ Cancale的牡蛎捕手”(对面,1879年)看上去很印象派,但实际上是基于工作室传统-巧妙的笔法,深色和釉料。萨金特在1884年臭名昭著的Mau Gautreau肖像之后在1880年代后期就出名了。配色方案很简单:通常是互补色或分开的互补色,带有大量的明暗对比。萨金特是一个很棒的社交名流(尽管害羞),是一位出色的音乐家,聪明,并能用四种语言朗读。一位采用Velasquez和Hals传统的画家,使用手势来描绘风格和性格,

进一步阅读

文字参考这些出版物,非常值得搜索:

1.布里奇特·赖利(Bridget Riley)在“色彩:艺术与科学”中的“画家的色彩”。T. Lamb&J. Bourriau(编辑)1995年杯

2. D. Bomford在“色彩:艺术与科学”中的“艺术色彩的历史”。T. Lamb&J. Bourriau(编辑)1995年杯

也有用的是:

3.具有色彩表现新原理的绘画色彩史。Faber Birren。范诺斯特兰德·莱因霍尔德(Van Nostrand Reinhold)。1980年。

4.《新孟塞尔学生色彩套装》,第三版。Jim Long Jim。Fairchild出版物。2011。

5. Paul Centore的《画家的色彩理论》。 99main。从理论上讲,包括孟塞尔系统。2012年11月。

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