白俄罗斯画家李奥尼德·阿夫列莫夫Leonid Afremov色彩斑斓的花儿油画作品欣赏 数字油画

白俄罗斯画家李奥尼德·阿夫列莫夫色彩斑斓的花儿油画欣赏 数字油画软件 李奥尼德·阿夫列莫夫油画

Leonid Afremov

李奥尼德·阿夫列莫夫

白俄罗斯, (1955- )

Leonid Afremov, 出生于白俄罗斯维捷布斯克市,是当代著名的现代印象派艺术家。其作品主要用调色刀与天然油料的搭配在画布上作画。以刀作画,他的绘画技巧、色彩上的层次运用纯熟浑厚, 令人惊叹。见过他不少风景,今天带来的是他笔下的静物花卉,看它们是如何绽放的。

阿夫列莫夫:在我的绘画生涯里我尝试过各种各样的创作方法,但是我特别钟爱使用调色刀在帆布上绘画。每一幅作品都耗费了我很多的心血,在绘画过程中寻找我内心的世界,并将它表现出来,每幅画都带有不同的情绪、色彩和情感。

我喜欢通过画来表现美好的世界,与世界融合的感觉。我的作品是我灵魂的声音,他们携带了我对世界的认知、内心的情感和生活的激情。我坚信,真正的艺术能够启迪和哺育人类,让人类在黑暗中寻找到内心的自由。

巴塞 – 泰尔

巴塞-泰尔(bahs-tah-ee)是一种令人着迷的技术,艺术家通过雕刻或追逐,在金属(通常是银色或金色)中创造出一种低浮雕图案。整个图案的创建方式使其最高点低于周围的金属。然后,半透明的釉质被涂在金属上,使光线从浮雕中反射出来,并产生艺术效果。它曾在中世纪晚期使用,然后在17世纪再次使用。

内容
1 中世纪的例子
2 17世纪
3 技术
4 笔记
5 引用
中世纪示例

一块14世纪的银牌,在低音尾与半透明的埃纳梅尔,与相当大的损失,显示准备的金属表面下面,和不同颜色的色调。

一块14世纪的银牌,在低音尾与半透明的埃纳梅尔,与相当大的损失,显示准备的金属表面下面,和不同颜色的色调。
古罗马人都知道这种技术,但在中世纪末直到17世纪才消失。 [1]半透明釉质比不透明的釉质更脆弱,中世纪生存状况良好是非常罕见的。中世纪的例子开始于13世纪的意大利,最早的过时作品是西尼斯金匠古乔·迪·曼纳亚为教皇尼古拉斯四世创作的圣杯,大约在1290年,这是阿西西圣弗朗西斯大教堂宝藏博物馆的一部分。 [2]

然后,这项技术推广到其他中心进行高质量的宫廷工作,而此时,与利摩日相关的香槟埃纳梅尔几乎已大量生产,而且相对便宜。大家普遍认为,14世纪晚期的皇家金杯,现在大英博物馆,是贝斯尾釉质的杰出幸存例子。 [3]它是仅有的四种已知的黄金生存之一,包括世俗或宗教部分;另一个是小盐水馆,也是大英博物馆。 [4]国王林恩的”约翰国王杯”,大约1340年,银镀金与透明釉质,是最好的例子,低音尾工作可能在英国:金属制品专家赫伯特·马良将这次和皇家金杯描述为”两个杰出功绩的例子,在任何收藏中都无与伦比”。 [5]然而,目前还不清楚国王林恩的大部分釉质是否是原装的。 [6]

这项技术在17世纪被重新发现,但此后没有进行多少实践。在这项技术的变种中,从19世纪80年代到俄罗斯革命,彼得·卡尔·法贝里在法贝热鸡蛋和其他碎片上应用了半透明的釉质,这种技术仍然被应用,通常以单一颜色使用。 [7]

17世纪
复兴的技术在17世纪用于怀表,金盒和类似物品的封面和面,但大多与不透明的釉质,实现一个完全不同的效果,从中世纪的例子使用半透明的釉质。法国制表师乔西亚斯·乔利经常使用它。

技术

圣母之死勋章,受损的贝斯尾釉质
创建低音尾釉质的过程开始于用一种称为”跟踪器”的工具标记设计轮廓和黄金上的主要内部轮廓。然后,内部区域工作,要么用追逐工具,锤击和冲压,而不是切割,或用凿子,形成一个浅凹槽,以举行釉质。设计中更重要的部分是通过改变表面深度来建模,以便在添加半透明釉质时产生不同的色彩强度:例如,在皇家金杯中,窗帘褶皱下的黄金经常在表面附近升起,以产生一个苍白的亮点。在与卢克的牛一起说明的示例中,最低叶显示了通过深入背景而形成的草丛。在许多凹陷区域,通过雕刻或冲孔,通过半透明釉质显示,或面对背景,使反射随着视角的轻微变化而变化,从而增加了进一步的装饰。大多数背景区域的装饰方式相同。最后,表面被清理,使良好和抛光,也许包括刮掉任何凸起显示通过金属的反面。 [8]

釉质与金色表面齐平:这是一个精心准备的地面玻璃膏应用非常小心准备的凹陷区,然后发射。当不同颜色的釉质以整洁的边界相互交汇时,这是通过在添加下一种颜色之前用胶质的保留边框发射一种颜色来实现的。在射击前,将不同颜色的色调应用于瓷质的基底阴影,从而逐渐融入着色区域边缘的背景颜色,从而增加了难度。这特别用于”通量”,或无色釉质,如在地面区域,岩石和树木。在皇家金杯中,通量也用于肉体区域,因为在黄金背景上,当难以达到适合皮肤的颜色时,它就会稍微变暗。这里使用得如此有效的红色红宝石或”红宝石玻璃”,是通过在玻璃上加入铜、银和金的微小颗粒而制成的:这里的科学测试表明铜是用的。烧完后,釉质与周围的金属擦亮,这大概是最后装饰的。


“大英博物馆调查”:光眉;玛丽昂 (1971), 188;奥斯本, 333
科勒姆,胡里哈内 (2012). 《格罗夫中世纪艺术与建筑百科全书》,第2卷。欧普美国。第93页。ISBN 978-0195395365.检索到2016年 11 月 18日。
奥斯本, 333
道尔顿,11岁2015年10月18日,大英博物馆亮点Wayback机器的”盐水雷利夸里”被存档,2010年6月16日访问。
“玛丽昂(1971年)”:亚历山大·宾斯基,#541
“玛丽昂(1971年)”,187:(来自西诺福克议会的约翰国王杯形象不佳) 。见坎贝尔,435-436,与良好的照片和完整的目录条目;奥斯本,3331692 年至 1782 年间,在基地下的铭文中记录了四次修复和重新封并,见坎贝尔。
玛丽特 · 吉尼斯 · 阿尚和里卡 · 史密斯 · 麦克纳利”埃纳梅尔。在格罗夫艺术在线。牛津艺术在线,需要订阅(访问2010年7月28日)。
光眉。Maryon (1951) – 见进一步阅读 – 和他的同事建立了休会的方法:读和道尔顿以为他们被切出凿子。对于具有半透明埃纳梅尔的其他物体,请参阅坎贝尔,458-461。
引用
乔纳森·亚历山大 – 保罗·宾斯基(埃德),骑士时代,艺术在植物网英格兰,1200-1400,皇家学院/魏登菲尔德和尼科尔森,伦敦1987年;大多数最好的英语示例高达 1400 是目录编号 541, 543, 580 – 587, 608 – 610
2010年6月16日,皇家金杯网页上的”大英博物馆调查”对”红色玻璃”玻璃的调查
坎贝尔, 玛丽安, 在乔纳森亚历山大 – 保罗宾斯基 (埃德),骑士时代, 艺术在植物网英格兰, 1200-1400,皇家学院/魏登菲尔德和尼科尔森, 伦敦 1987
“玛丽昂(1951年):玛丽昂,赫伯特,皇家金杯新光,大英博物馆季刊,第16卷,第2卷,1951年4月,JSTOR
“Maryon (1971)”:玛丽昂, 赫伯特,金属制品和迷人: 关于金银匠的工作和他们的联合工艺的实用论文, 信使多佛出版物, 1971, ISBN 0-486-22702-2, ISBN 978-0-486-22702-3
奥斯本, 哈罗德 (埃德),牛津装饰艺术助理, 1975, OUP, ISBN 0-19-866113-4

动画

“动画”重定向到此处。有关其他用途,请参阅动画(拆解)。
有关其他用途,请参阅动画(拆解)。
Weare
弹跳球动画(下图)由这六帧组成。

此动画以每秒 10 帧的速度移动。
动画是一种将数字操纵为移动图像的方法。在传统动画中,图像被绘制或手工绘制在透明纤维素板上,以拍摄和在胶片上展出。今天,大多数动画都是用计算机生成的图像(CGI) 制作的。计算机动画可以是非常详细的3D动画,而2D计算机动画(可能有传统动画的外观)可用于文体原因,低带宽,或更快的实时渲染。其他常见的动画方法将停止运动技术应用于二维和三维物体,如剪纸、木偶或粘土数字。

通常,动画的效果是通过快速连续的连续图像来实现的,这些连续图像彼此差别微乎其微。幻象——就像一般的电影一样——被认为依赖于phi现象和β运动,但确切的原因仍然不确定。依靠连续图像快速显示的模拟机械动画媒体包括幻象、佐特罗佩、翻页本、普拉西诺镜和胶片。电视和视频是流行的电子动画媒体,最初是模拟的,现在以数字方式运作。为了在计算机上显示,开发了动画 GIF和Flash 动画等技术。

动画比许多人知道的更普遍。除了短片、故事片、电视连续剧、动画 GIF 等媒体专门展示动感图像外,动画在视频游戏、动作图形、用户界面和视觉效果方面也很流行。 [1]

图像部分通过简单的力学的物理运动——例如魔术灯笼中的移动图像——也可以被认为是动画。机械操纵三维木偶和物体来模仿生物在自动机中有着悠久的历史。电子自动机被迪斯尼推广为动画。

动画师是专门从事动画创作的艺术家。

内容
1 词源
2 历史
2.1 电影摄影前
2.2 沉默的时代
2.3 美国黄金时代
2.4 CGI 之前的功能
2.5 电视
2.6 从鳗鱼切换到计算机
3 经济地位
4 教育、宣传和广告
5 其他媒体、商品和主题公园
6 批评
7 奖
8 生产
9 技术
9.1 传统的
9.2 停止运动
9.3 计算机
9.4 机械
9.5 其他
10 另请参阅
11 引用
11.1 引文
11.2 来源
12 外部链接
词源
“动画”一词源于拉丁语”动画”,源于”动画”,意思是”赋予生命”。 [2]英语单词的主要含义是”活力”,其使用时间远远长于”移动图像介质”的含义。

历史
主文:动画史
电影摄影前

Nr. 10 在特伦特森斯基 – Vieweg 于 1833 年出版的斯坦普弗的频闪镜光盘的返工第二系列中。
在推出真正的动画之前几百年,来自世界各地的人们欣赏了在木偶、自动机、皮影戏和魔术灯笼中手动创作和操纵的动人人物的节目。从18世纪末到19世纪上半叶,多媒体幻象表演在西欧剧院非常流行,以动鬼和其他可怕的图像为特色,表现了逼真的影像。

投影普拉辛诺镜,从1882年,这里显示了叠加一个动画人物在单独投影的背景场景
1833年,频闪光盘(更广为人知的幻象)引入了现代动画原理,连续图像被一个接一个地显示出来,形成电影的视觉错觉。数千年来,连续图像系列偶尔会制作,但频闪光盘提供了以流畅的动作表示此类图像的第一种方法,并且首次让艺术家创作具有适当系统化动作分解的系列。频闪动画原理也应用于佐特罗佩(1866年)、翻盖书(1868年)和普拉辛诺镜(1877年)。19 世纪的平均动画包含大约 12 张图像,这些图像通过手动旋转设备作为连续循环显示。翻页本通常包含更多的图片,有一个开始和结束,但它的动画不会持续超过几秒钟。第一个创造更长序列的似乎是查尔斯-埃米尔·雷诺,他在1892年至1900年间,在长达10至15分钟的《哑剧》中取得了很大的成功。

无声时代
当电影摄影最终突破1895年后,动画图片已经知道了几十年,在新的媒体的现实细节的奇迹被视为它最大的成就。电影动画直到几年后才被光学玩具制造商商业化,色谱胶卷环(通常从真人镜头中追踪)用于改装玩具魔术灯笼,供孩子们在家里使用。动画要过几年才能进入电影院。

在电影先驱J·斯图亚特·布莱克顿、亚瑟·墨尔本-库珀、塞贡多·德·乔曼和埃德温·波特(除其他外)的早期实验之后,布莱克顿的《闹鬼酒店》(1907年)首次取得了巨大的停止动作成功,通过展示那些显然在全摄影细节中自己移动的物体,没有任何已知的舞台技巧的迹象,令观众感到困惑。

幻想(1908)由[英里科尔]
[英里科尔的幻想(1908年)是已知的最古老的例子,什么被称为传统(手绘)动画。其他伟大的艺术和非常有影响力的短片是由拉迪斯拉斯·斯塔雷维奇自1910年以来,他的木偶动画和温索尔·麦凯与详细绘制动画的电影,如小尼莫(1911年)和格蒂恐龙(1914年)。

在20世纪10年代,动画片的制作成为美国的一个产业。 [3]成功的制片人约翰·兰道夫·布雷和动画师厄尔·赫德,为主导本世纪剩余时间的动画产业的cel动画过程申请了专利。 [4][5] 费利克斯猫,谁首次亮相于1919年,成为第一个动画巨星。

美国黄金时代
1928年,以米老鼠和米妮老鼠为主角的汽船威利用同步声音普及了电影,使沃尔特·迪斯尼的工作室走在了动画产业的前沿。1932年,迪斯尼还引进了全彩(花草树木)的创新,作为与Technicolor长达三年的独家交易的一部分。

米老鼠的巨大成功被视为美国动画黄金时代的开始,将持续到20世纪60年代。美国以大量的cel动画戏剧短片主宰了世界动画市场。几个工作室将介绍人物,将变得非常受欢迎,将有长期的职业生涯, 包括沃尔特迪斯尼制作的高飞(1932年)和唐老鸭(1934年),华纳兄弟卡通的鲁尼调字符像达菲鸭(1937年),虫子兔子(1938/1940),Tweety(1941/1942),西尔维斯特猫(1945年),威尔E。 土狼和路跑者(1949),弗莱舍工作室/派拉蒙卡通工作室的贝蒂 ·布普(1930),波佩耶(1933),超人(1941) 和卡斯珀(1945),米高梅卡通工作室的汤姆和杰里 (1945) 1940) 和德鲁比,沃尔特兰茨制作/环球工作室卡通’伍迪木鸟(1940),特里通斯/20 世纪福克斯的强大的老鼠(1942) 和联合艺术家的粉红豹(1963).

CGI之前的功能

意大利-阿根廷漫画家基里诺·克里斯蒂亚尼展示了他的讽刺人物埃尔·佩卢多(以伊里戈延总统为基础)的剪裁和清晰形象,该角色于1916年获得专利,用于实现他的电影,包括世界上第一部动画故事片《埃尔·阿佩斯托》。 [6]
1917年,意大利-阿根廷导演基里诺·克里斯蒂亚尼制作了第一部长篇故事片《埃尔·阿佩斯托》(现已失落),这部影片取得了关键的商业成功。紧随其后的是克里斯蒂亚尼的《辛德贾尔·拉斯特罗斯》,但电影首映后一天就被政府没收了。

乐天雷尼格在工作了三年之后,于1926年发布了德国功能长度的剪影动画《德普林森·阿赫迈德》,这是现现最古老的动画片。

1937年,华特迪士尼制片厂首演了他们的第一部动画片《白雪公主》和《七个小矮人》,截至2020年5月,它仍然是最受瞩头的传统动画片之一. [7][8]弗莱舍工作室在 1939 年以这个例子紧随其后, 格利弗的《旅行》取得了一些成功。部分由于第二次世界大战切断了国外市场,迪斯尼的下一部影片《皮诺奇》、《幻想曲》(1940年)和弗莱舍制片厂的第二部动画片《虫进城》(1941/1942)未能票房。几十年后,迪斯尼将是唯一一家定期制作动画片的美国制片厂,直到拉尔夫·巴克希成为第一个也发行多个功能的制片厂。沙利文-布鲁斯制片厂从1986年开始定期制作动画片《美国尾巴》。

虽然很少有标题像迪斯尼的特色那样成功,但其他国家发展了自己的动画产业,以各种风格制作短剧和特色动画,通常包括停止动作和剪裁动画技术。俄罗斯联盟电影动画工作室成立于1936年,平均每年制作20部电影(包括短片),2018年达到1,582部。中国、捷克斯洛伐克/捷克共和国、意大利、法国和比利时等国家都不止偶尔发行故事片,而日本则成为动画制作的真正强国,拥有自己可识别和有影响力的动画风格,有效限制了动画。

电视
自20世纪50年代电视机在大多数发达国家开始流行以来,动画就在电视上非常流行。卡通片主要为儿童编程,时间安排在方便的时段,尤其是美国年轻人花了很多时间观看周六早上的卡通片。许多经典动画片在小银幕上找到了新的生命,到20世纪50年代末,新动画片的制作开始从戏剧发行转向电视剧。汉娜-巴贝拉制作特别多产,并有巨大的热门系列,如弗林斯通(1960-1966年)(第一个黄金时段动画系列),史酷比杜(自1969年以来)和比利时共同制作的蓝精灵(1981-1989年)。美国电视节目的制约和对大量需求导致动画方法更便宜、更快捷,脚本更加公式化。质量下降,直到更大胆的动画出现在20世纪80年代末和90年代初与热门系列,如辛普森一家(自1989年以来)作为美国动画的”复兴”的一部分。

虽然美国动画系列在国际上也取得了成功,但许多其他国家也制作了自己的以儿童为导向的节目,相对而言,他们更喜欢停止动作和木偶戏,而不是 cel 动画。日本动漫电视剧自20世纪60年代以来在国际上非常成功, 和欧洲生产商寻找负担得起的cel动画师相对经常开始与日本制片厂合作制作,导致热门系列,如巴巴帕(荷兰/日本/法国1973-1977年),威克和死星肯·曼纳/さなバイキング ビッケ(维京维京维京)(奥地利/德国/日本1974年)和丛林书(意大利/日本1989年)。

从电脑切换到计算机
主文:计算机动画史
计算机动画从20世纪40年代开始逐步发展.3D线框动画在20世纪70年代开始出现在主流,在科幻惊悚片《未来世界》(1976年)中早期(短)出现。

《下楼的救援人员》是第一部没有相机完全以数字方式制作的专题片。 [9]它以与计算机动画制作系统(CAPS) 上的传统 cel 动画非常相似的风格制作,由华特迪士尼公司于 20 世纪 80 年代末与皮克斯合作开发。

所谓的3D风格,更经常与计算机动画有关,已经变得非常流行,因为皮克斯的玩具总动员(1995年),第一个计算机动画功能在这种风格。

大多数cel动画制片厂在20世纪90年代左右转向生产大部分电脑动画电影,因为它被证明是更便宜、更有利可图的。不仅非常流行的3D动画风格是与计算机产生的,而且大多数电影和系列具有更传统的手工制作的外观,其中cel动画的迷人特点可以模仿软件,而新的数字工具有助于开发新的风格和效果。 [10][11][12][13][14][15]

经济状态
2008年,动画市场价值684亿美元。 [16]动画故事片的毛利率最高(约52%)2004年至2013年间的所有电影类型。 [17]截至 2020 年代初,动画作为一种艺术和行业继续蓬勃发展。

教育、宣传和广告
动画的清晰性使它成为一个强大的教学工具,而其完全可塑性也允许夸张,可以用来传达强烈的情感和挫败现实。因此,它被广泛用于其他目的,而不仅仅是娱乐。

在第二次世界大战期间,动画被广泛利用进行宣传。许多美国制片厂,包括华纳兄弟和迪斯尼,借出他们的才能和他们的卡通人物来传达某些战争价值观的公众。一些国家,包括中国、日本和英国,为它们的战争努力制作了第一部长篇动画。

动画在电视广告中非常受欢迎,这既有其图形吸引力,也有它所能提供的幽默。广告中的一些动画人物已经存活了几十年,比如凯洛格谷类食品广告中的Snap、裂纹和流行。 [18]传奇动画导演Tex Avery是1966年第一个突袭”杀死虫子死亡”广告的制作人,这些广告对公司来说非常成功。 [19]

其他媒体、商品和主题公园
除了在电影院和电视连续剧中取得成功外,许多卡通人物在获得各种商品和其他媒体的许可时也会获得丰厚的利润。

动画传统上与漫画书有着非常密切的联系。虽然许多漫画人物找到了他们的方式到屏幕上(这在日本经常是这种情况,其中许多漫画被改编成动画),原来的动画人物也经常出现在漫画书和杂志。同样,视频游戏的人物和情节(交互式动画媒介)也来自电影,反之亦然。

为屏幕制作的某些原始内容可用于其他媒体并销售。故事和图像可以很容易地改编成儿童读物和其他印刷媒体。歌曲和音乐已经出现在唱片和流媒体上。

虽然很多动画公司在移动图像媒体之外商业上利用他们的作品,但华特迪士尼公司是最著名和最极端的例子。自1929年首次获得儿童写作平板电脑的许可以来,他们的米老鼠吉祥物被描绘在大量的产品上,就像许多其他迪斯尼人物一样。这可能影响了米奇名字的一些贬义使用,但许可的迪斯尼产品卖得很好,所谓的迪斯尼纳有许多狂热的收藏家,甚至一个专门的迪斯尼粉丝俱乐部(自1984年以来)。

迪士尼乐园于1955年开业,许多景点都以迪斯尼的卡通人物为基础。它的巨大成功催生了其他几个迪斯尼主题公园和度假村。迪斯尼从主题公园获得的收入往往高于电影收入。

批评
自动画诞生以来,对动画的批评在媒体和电影中很常见。随着它的普及,出现了大量的批评,特别是动画故事片。 [20]围绕动画产业,人们开始关注文化代表性、对儿童的心理影响,自它进入主流文化以来,动画产业在政治上一直相当不变,停滞不前。 [21]

奖项
主文:动画工作室 • 美国工作室
与任何其他形式的媒体一样,动画也获得了该领域的卓越奖。最初的动画奖由美国电影艺术与科学学院颁发,以表彰1932年在第五届奥斯卡颁奖典礼上颁发的动画短片。奥斯卡奖得主是短片《花树》,[22]是沃尔特·迪斯尼制作公司制作的。 [23][24]奥斯卡动画电影奖仅于2001年设立,并在2002年第74届奥斯卡颁奖典礼上颁发。它是由电影史莱克,由梦工厂和太平洋数据图像制作。 [25] 迪斯尼动画和皮克斯制作的电影最多,无论是获奖还是获得提名。 《美女与野兽》是第一部获得最佳影片提名的动画电影。在学院将提名人数从5人增加到10人之后,《向上》和《玩具总动员3》也获得了最佳影片提名。

奥斯卡最佳动画功能奖
奥斯卡最佳动画短片奖
其他几个国家已经设立最佳动画故事片奖,作为其国家电影奖的一部分:非洲电影学院最佳动画奖(自2008年以来)、BAFTA最佳动画电影奖(自2006年以来)、塞萨尔最佳动画电影奖(自2 011)、金鸡奖最佳动画奖(自1981年以来)、戈雅最佳动画电影奖(自1989年以来)、日本年度动画学院奖(自2007年以来)、国家最佳动画电影奖(自2006年起)。此外,自二00七年起,亚太银幕最佳动画故事片奖亦在亚太银幕奖颁奖典礼上颁发。自2009年以来,欧洲电影奖已颁发欧洲电影奖最佳动画电影奖。

安妮奖是动画领域杰出成就奖。与奥斯卡奖不同,安妮奖只因动画领域的成就而获得,而不是为任何其他技术和艺术领域而获得。它们于1992年重新组织,为最佳动画功能创造了一个新的领域。20世纪90年代的获奖者由沃尔特·迪斯尼主导:然而,由皮克斯和梦工厂领导的较新的工作室现在开始不断争夺这个奖项。获奖者名单如下:

安妮最佳动画功能奖
安妮奖最佳动画短片
安妮最佳动画电视制作奖
生产
File:Joy & Heron – Animated CGI Spot by Passion Pictures.webm
欢乐与赫伦– 特色视频
非平凡的动画作品(即超过几秒钟)的创作已经发展成为一种电影制作形式,具有某些独特的方面。 [26]真人电影和动画故事片共同的特点是劳动强度和高昂的制作成本。 [27]

最重要的区别是,一旦一部电影进入制作阶段,动画电影的边际成本就高于真人秀电影。 [28]导演在拍摄真人秀电影时要求多拍一部相对容易,但动画片的每一部都必须由动画师手动渲染(尽管现代计算机动画减少了渲染略有不同的镜头的任务)。 [29]如果该场景不能有效地推进电影的情节,制片厂支付数十名动画师的薪水,花费数周时间创作出令人眼花缭乱的五分钟场景是毫无意义的。 [30]因此,从迪斯尼开始的动画工作室在20世纪30年代开始维持故事部门的做法,故事板艺术家通过情节提要开发每一个场景,然后只有在制作团队确信所有场景都有意义之后,才将电影交给动画师。 [31]虽然真人秀电影现在也是故事板,但他们享有更多的自由度,远离情节提要(即实时即兴表演)。 [32]

Another problem unique to animation is the requirement to maintain a film’s consistency from start to finish, even as films have grown longer and teams have grown larger. Animators, like all artists, necessarily have individual styles, but must subordinate their individuality in a consistent way to whatever style is employed on a particular film.[33] Since the early 1980s, teams of about 500 to 600 people, of whom 50 to 70 are animators, typically have created feature-length animated films. It is relatively easy for two or three artists to match their styles; synchronizing those of dozens of artists is more difficult.[34]

This problem is usually solved by having a separate group of visual development artists develop an overall look and palette for each film before the animation begins. Character designers on the visual development team draw model sheets to show how each character should look like with different facial expressions, posed in different positions, and viewed from different angles.[35][36] On traditionally animated projects, maquettes were often sculpted to further help the animators see how characters would look from different angles.[37][35]

Unlike live-action films, animated films were traditionally developed beyond the synopsis stage through the storyboard format; the storyboard artists would then receive credit for writing the film.[38] In the early 1960s, animation studios began hiring professional screenwriters to write screenplays (while also continuing to use story departments) and screenplays had become commonplace for animated films by the late 1980s.

Techniques
Traditional
Main article: Traditional animation

An example of traditional animation, a horse animated by rotoscoping from Eadweard Muybridge’s 19th-century photos.
Traditional animation (also called cel animation or hand-drawn animation) was the process used for most animated films of the 20th century.[39] The individual frames of a traditionally animated film are photographs of drawings, first drawn on paper.[40] To create the illusion of movement, each drawing differs slightly from the one before it. The animators’ drawings are traced or photocopied onto transparent acetate sheets called cels,[41] which are filled in with paints in assigned colors or tones on the side opposite the line drawings.[42] The completed character cels are photographed one-by-one against a painted background by a rostrum camera onto motion picture film.[43]

The traditional cel animation process became obsolete by the beginning of the 21st century. Today, animators’ drawings and the backgrounds are either scanned into or drawn directly into a computer system.[1][44] Various software programs are used to color the drawings and simulate camera movement and effects.[45] The final animated piece is output to one of several delivery media, including traditional 35 mm film and newer media with digital video.[46][1] The “look” of traditional cel animation is still preserved, and the character animators’ work has remained essentially the same over the past 70 years.[37] Some animation producers have used the term “tradigital” (a play on the words “traditional” and “digital”) to describe cel animation that uses significant computer technology.

Examples of traditionally animated feature films include Pinocchio (United States, 1940),[47] Animal Farm (United Kingdom, 1954), Lucky and Zorba (Italy, 1998), and The Illusionist (British-French, 2010). Traditionally animated films produced with the aid of computer technology include The Lion King (US, 1994), The Prince of Egypt (US, 1998), Akira (Japan, 1988),[48] Spirited Away (Japan, 2001), The Triplets of Belleville (France, 2003), and The Secret of Kells (Irish-French-Belgian, 2009).

Full
Full animation refers to the process of producing high-quality traditionally animated films that regularly use detailed drawings and plausible movement,[49] having a smooth animation.[50] Fully animated films can be made in a variety of styles, from more realistically animated works like those produced by the Walt Disney studio (The Little Mermaid, Beauty and the Beast, Aladdin, The Lion King) to the more ‘cartoon’ styles of the Warner Bros. animation studio. Many of the Disney animated features are examples of full animation, as are non-Disney works, The Secret of NIMH (US, 1982), The Iron Giant (US, 1999), and Nocturna (Spain, 2007). Fully animated films are animated at 24 frames per second, with a combination of animation on ones and twos, meaning that drawings can be held for one frame out of 24 or two frames out of 24.[51]

Limited
Main article: Limited animation
Limited animation involves the use of less detailed or more stylized drawings and methods of movement usually a choppy or “skippy” movement animation.[52] Limited animation uses fewer drawings per second, thereby limiting the fluidity of the animation. This is a more economic technique. Pioneered by the artists at the American studio United Productions of America,[53] limited animation can be used as a method of stylized artistic expression, as in Gerald McBoing-Boing (US, 1951), Yellow Submarine (UK, 1968), and certain anime produced in Japan.[54] Its primary use, however, has been in producing cost-effective animated content for media for television (the work of Hanna-Barbera,[55] Filmation,[56] and other TV animation studios[57]) and later the Internet (web cartoons).

Rotoscoping
Main article: Rotoscoping
Rotoscoping is a technique patented by Max Fleischer in 1917 where animators trace live-action movement, frame by frame.[58] The source film can be directly copied from actors’ outlines into animated drawings,[59] as in The Lord of the Rings (US, 1978), or used in a stylized and expressive manner, as in Waking Life (US, 2001) and A Scanner Darkly (US, 2006). Some other examples are Fire and Ice (US, 1983), Heavy Metal (1981), and Aku no Hana (Japan, 2013).

Live-action blending
Main article: Films with live action and animation
Live-action/animation is a technique combining hand-drawn characters into live action shots or live-action actors into animated shots.[60] One of the earlier uses was in Koko the Clown when Koko was drawn over live-action footage.[61] Walt Disney and Ub Iwerks created a series of Alice Comedies (1923–1927), in which a live-action girl enters an animated world. Other examples include Allegro Non Troppo (Italy, 1976), Who Framed Roger Rabbit (US, 1988), Volere volare (Italy 1991), Space Jam (US, 1996) and Osmosis Jones (US, 2001).

Stop motion
Main article: Stop motion
Stop-motion animation is used to describe animation created by physically manipulating real-world objects and photographing them one frame of film at a time to create the illusion of movement.[62] There are many different types of stop-motion animation, usually named after the medium used to create the animation.[63] Computer software is widely available to create this type of animation; traditional stop-motion animation is usually less expensive but more time-consuming to produce than current computer animation.[63]

Puppet animation typically involves stop-motion puppet figures interacting in a constructed environment, in contrast to real-world interaction in model animation.[64] The puppets generally have an armature inside of them to keep them still and steady to constrain their motion to particular joints.[65] Examples include The Tale of the Fox (France, 1937), The Nightmare Before Christmas (US, 1993), Corpse Bride (US, 2005), Coraline (US, 2009), the films of Jiří Trnka and the adult animated sketch-comedy television series Robot Chicken (US, 2005–present).
Puppetoon, created using techniques developed by George Pal,[66] are puppet-animated films that typically use a different version of a puppet for different frames, rather than simply manipulating one existing puppet.[67]

A clay animation scene from a Finnish television commercial
Clay animation, or Plasticine animation (often called claymation, which, however, is a trademarked name), uses figures made of clay or a similar malleable material to create stop-motion animation.[62][68] The figures may have an armature or wire frame inside, similar to the related puppet animation (below), that can be manipulated to pose the figures.[69] Alternatively, the figures may be made entirely of clay, in the films of Bruce Bickford, where clay creatures morph into a variety of different shapes. Examples of clay-animated works include The Gumby Show (US, 1957–1967), Mio Mao (Italy, 1974–2005), Morph shorts (UK, 1977–2000), Wallace and Gromit shorts (UK, as of 1989), Jan Švankmajer’s Dimensions of Dialogue (Czechoslovakia, 1982), The Trap Door (UK, 1984). Films include Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, Chicken Run and The Adventures of Mark Twain.[70]
Strata-cut animation, Strata-cut animation is most commonly a form of clay animation in which a long bread-like “loaf” of clay, internally packed tight and loaded with varying imagery, is sliced into thin sheets, with the animation camera taking a frame of the end of the loaf for each cut, eventually revealing the movement of the internal images within.[71]
Cutout animation is a type of stop-motion animation produced by moving two-dimensional pieces of material paper or cloth.[72] Examples include Terry Gilliam’s animated sequences from Monty Python’s Flying Circus (UK, 1969–1974); Fantastic Planet (France/Czechoslovakia, 1973); Tale of Tales (Russia, 1979), The pilot episode of the adult television sitcom series (and sometimes in episodes) of South Park (US, 1997) and the music video Live for the moment, from Verona Riots band (produced by Alberto Serrano and Nívola Uyá, Spain 2014).
Silhouette animation is a variant of cutout animation in which the characters are backlit and only visible as silhouettes.[73] Examples include The Adventures of Prince Achmed (Weimar Republic, 1926) and Princes et Princesses (France, 2000).
Model animation refers to stop-motion animation created to interact with and exist as a part of a live-action world.[74] Intercutting, matte effects and split screens are often employed to blend stop-motion characters or objects with live actors and settings.[75] Examples include the work of Ray Harryhausen, as seen in films, Jason and the Argonauts (1963),[76] and the work of Willis H. O’Brien on films, King Kong (1933).
Go motion is a variant of model animation that uses various techniques to create motion blur between frames of film, which is not present in traditional stop motion.[77] The technique was invented by Industrial Light & Magic and Phil Tippett to create special effect scenes for the film The Empire Strikes Back (1980).[78] Another example is the dragon named “Vermithrax” from 1981 film Dragonslayer.[79]
Object animation refers to the use of regular inanimate objects in stop-motion animation, as opposed to specially created items.[80]
Graphic animation uses non-drawn flat visual graphic material (photographs, newspaper clippings, magazines, etc.), which are sometimes manipulated frame by frame to create movement.[81] At other times, the graphics remain stationary, while the stop-motion camera is moved to create on-screen action.
Brickfilm are a subgenre of object animation involving using Lego or other similar brick toys to make an animation.[82][83] These have had a recent boost in popularity with the advent of video sharing sites, YouTube and the availability of cheap cameras and animation software.[84]
Pixilation involves the use of live humans as stop-motion characters.[85] This allows for a number of surreal effects, including disappearances and reappearances, allowing people to appear to slide across the ground, and other effects.[85] Examples of pixilation include The Secret Adventures of Tom Thumb and Angry Kid shorts, and the Academy Award-winning Neighbours by Norman McLaren.
Computer
Main article: Computer animation
Computer animation encompasses a variety of techniques, the unifying factor being that the animation is created digitally on a computer.[45][86] 2D animation techniques tend to focus on image manipulation while 3D techniques usually build virtual worlds in which characters and objects move and interact.[87] 3D animation can create images that seem real to the viewer.[88]

2D
Main article: 2D computer graphics

A 2D animation of two circles joined by a chain
2D animation figures are created or edited on the computer using 2D bitmap graphics and 2D vector graphics.[89] This includes automated computerized versions of traditional animation techniques, interpolated morphing,[90] onion skinning[91] and interpolated rotoscoping.

2D animation has many applications, including analog computer animation, Flash animation, and PowerPoint animation. Cinemagraphs are still photographs in the form of an animated GIF file of which part is animated.[92]

Final line advection animation is a technique used in 2D animation,[93] to give artists and animators more influence and control over the final product as everything is done within the same department.[94] Speaking about using this approach in Paperman, John Kahrs said that “Our animators can change things, actually erase away the CG underlayer if they want, and change the profile of the arm.”[95]

3D
Main articles: Computer animation and 3D computer graphics
3D animation is digitally modeled and manipulated by an animator. The 3D model maker usually starts by creating a 3D polygon mesh for the animator to manipulate.[96] A mesh typically includes many vertices that are connected by edges and faces, which give the visual appearance of form to a 3D object or 3D environment.[96] Sometimes, the mesh is given an internal digital skeletal structure called an armature that can be used to control the mesh by weighting the vertices.[97][98] This process is called rigging and can be used in conjunction with key frames to create movement.[99]

Other techniques can be applied, mathematical functions (e.g., gravity, particle simulations), simulated fur or hair, and effects, fire and water simulations.[100] These techniques fall under the category of 3D dynamics.[101]

Terms
Cel-shaded animation is used to mimic traditional animation using computer software.[102] Shading looks stark, with less blending of colors. Examples include Skyland (2007, France), The Iron Giant (1999, United States), Futurama (1999, United States) Appleseed Ex Machina (2007, Japan), The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002, Japan), The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017, Japan)
Machinima – Films created by screen capturing in video games and virtual worlds. The term originated from the software introduction in the 1980s demoscene, as well as the 1990s recordings of the first-person shooter video game Quake.
Motion capture is used when live-action actors wear special suits that allow computers to copy their movements into CG characters.[103][104] Examples include Polar Express (2004, US), Beowulf (2007, US), A Christmas Carol (2009, US), The Adventures of Tintin (2011, US) kochadiiyan (2014, India)
Computer animation is used primarily for animation that attempts to resemble real life, using advanced rendering that mimics in detail skin, plants, water, fire, clouds, etc.[105] Examples include Up (2009, US), How to Train Your Dragon (2010, US)
Physically based animation is animation using computer simulations.[106]
Mechanical
Animatronics is the use of mechatronics to create machines that seem animate rather than robotic.
音频动画和自动动画是机器人动画的一种形式,结合3D动画,由沃尔特·迪斯尼想象在迪斯尼主题公园的表演和景点移动和制造噪音(通常是录制的演讲或歌曲)。 [107]它们固定在任何支持它们的地方。他们可以坐着站着,不能走路。音频动画机器人不同于机器人类型的机器人,因为它使用预先录制的动作和声音,而不是对外部刺激做出响应。2009年,迪斯尼创造了一个名为”自主制造”的互动版技术。 [108]
线性动画生成器是一种动画形式,使用安装在隧道或轴中的静态相框。动画错觉通过将观看者置于线性运动中而创建,与安装的相框平行。 [109]这个概念和技术解决方案是由罗马尼亚的米哈伊·吉洛万于2007年发明的。
查克形象是电视连续剧《立即行动联盟》的制作人制作的一种动画,在动画中,人物/道具被扔出,或者从相机上扔下来,或者晃来晃去,用看不见的手模拟说话。 [110]
魔法灯笼使用机械滑梯投影移动图像,可能是自克里斯蒂亚安·惠更斯于1659年发明了这种早期的图像投影仪以来。
其他

迪士尼加州冒险的彩色水技术世界使用1,200个喷泉在雾屏上进行高清投影,营造出运动的错觉。
水力技术:一种包括灯光、水、火、雾和激光的技术,在雾屏上具有高清投影。
以电影动画为素材:一种通过直接在胶片库存上制作图像来制作素材的技术:例如,由诺曼·麦克拉伦,[111]伦·莱和斯坦·布拉哈奇。
玻璃上油漆动画:一种通过操纵玻璃板上缓慢干燥的油漆来制作动画电影的技术,[112],例如亚历山大·彼得罗夫。
擦除动画:一种使用传统 2D 介质的技术,随着时间推时间推时间的推拉,艺术家操纵图像。例如,威廉·肯特里奇以他的木炭擦除电影[113]和皮奥特·杜马尼亚的石膏上动画划痕的技巧而闻名。
Pinscreen 动画:使用充满可移动引脚的屏幕,这些引脚可以通过将对象按到屏幕上而移入或移出。 [114]屏幕从侧面亮起,使引脚投下阴影。该技术已用于制作具有一系列难以用传统 cel 动画实现的纹理效果的动画电影。 [115]
沙子动画:沙子在背光或前灯玻璃上移动,为动画电影创建每个帧。 [116]这创造了一个有趣的效果,当动画,因为光对比。 [117]
翻页本:翻页本(有时,特别是英国英语,称为电影书)是一本具有一系列图片的书,从一页到另一页逐渐变化,因此当页面快速转动时,图片似乎通过模拟运动或其他一些变化来动画化。 [118][119]翻转书通常是儿童插图书籍,[120]它们也面向成人,并采用一系列照片而不是图纸。翻页书并不总是单独的书,它们出现在普通书籍或杂志的附加功能,往往在页面角落。 [118]软件包和网站也可用,可将数字视频文件转换为定制翻页簿。 [121]
字符动画
多素描
特效动画
另请参阅
icon 动画门户
动画的十二项基本原则
动画战争电影
动画部
动画系列
建筑动画
阿瓦尔
独立动画
国际动画日
国际动画电影协会
国际动画之旅
与电影相关的主题列表
运动图形设计
动画研究协会
线框模型
引用
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    托马斯,鲍勃(1958年)。华特迪士尼,动画艺术:迪斯尼工作室对新艺术的贡献的故事。沃尔特迪斯尼工作室。西蒙和舒斯特
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    怀特,托尼(2006年)。从铅笔到像素的动画:数字动画师的经典技术。米尔顿公园:泰勒和弗朗西斯。ISBN 978-0-240-80670-9.
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    在线来源
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    外部链接

艺术运动

艺术运动是一种具有特定共同哲学或目标的艺术趋势或风格,随后是一群艺术家在特定时期(通常为几个月、几年或几十年),或者至少在若干年内确定运动的鼎盛时期。艺术运动在现代艺术中尤为重要,因为每一个连续的运动都被认为是一个新的前卫运动。

内容
1 概念
2 19世纪
3 20世纪
3.1 1900–1921
3.2 1920–1945
3.3 1940–1965
3.4 1965–2000
3.5 21世纪
4 另请参阅
5 引用
6 外部链接
概念
根据与现代主义和后现代主义概念相关的理论,艺术运动在与现代艺术相对应的时期尤为重要。 [1]所谓的”现代艺术”的时间段大概在20世纪的中途发生了变化,后来创作的艺术通常被称为当代艺术。视觉艺术中的后现代主义开始并作为与晚现代主义(2)平行的功能,并指被称为当代艺术的”现代”时期之后的那个时期。[3]后现代主义时期开始于现代主义晚期(这是现代主义的当代延续),根据一些理论家的说法,后现代主义在21世纪结束。 [4][5]在与”现代艺术”相对应的时期内,每一个连续的运动通常被认为是一个新的前卫。 [4]

同样在被称为”现代艺术”的时期,每个动作都与对之前所有关于视觉艺术的宏伟反思相对应。一般来说,视觉风格将作品和艺术家联系在艺术运动中是共通的。口头表达和解释的动作来自艺术家自己,有时以艺术宣言的形式,[6][7],有时来自艺术评论家和其他人谁可以解释他们理解新艺术的意义,然后产生。

在视觉艺术中,许多艺术家、理论家、艺术评论家、艺术收藏家、艺术经销商等都意识到现代主义的不断延续和现代艺术的延续,甚至进入当代,因此,他们开始将新的艺术哲学归于并欢迎它们出现。 [8][9] 后现代主义理论家认为,艺术运动的概念不再像后现代时代以前那样适用,或者不再那么明显。 [10][11]然而,有许多理论家怀疑这样一个时代是否真的是事实; [4]或只是一个路过的时尚。 [5][12]

这个词指的是视觉艺术、新颖思想和建筑的倾向,有时是文学。在音乐中,谈论流派和风格更为常见。另见文化运动,一个内涵更广的术语。

由于许多艺术运动的名字使用后缀(例如立体主义和未来主义),他们有时被称为isms。

19世纪

雅克-路易·大卫,拿破仑加冕,(1806年),卢浮宫博物馆,新古典主义

尤金·德拉克鲁瓦,自由领导人民1830年,浪漫主义

托马斯·科尔,帝国课程:萨维奇州,1836年,哈德逊河学校

古斯塔夫·库尔贝特,碎石者, 1849,现实主义学校

让-巴蒂斯特-卡米尔·科罗特,c. 1867,维尔·达夫雷国家美术馆,华盛顿, d.C,巴比松学校[13]

克劳德·莫奈,海斯塔克斯, (日落),1890-1891,美术博物馆, 波士顿,印象派

文森特·梵高,《星夜》,1889年,后印象主义

埃德瓦尔德·蒙奇,《尖叫》,表现主义的早期例子

学术, c. 16 世纪 – 20 世纪
审美运动
美国巴比松学校
美国印象派
阿姆斯特丹印象派
新艺术艺术,c. 1890-1910
工艺美术运动,成立于19世纪60年代
巴尔比松学校,c. 1830s–1870s
比德迈尔, c. 1815-1848
克洛森主义,c. 1888-1900年代(十年)
丹麦黄金时代c. 19 世纪至 1850 年代
颓废运动
分区主义,c. 1880年代-1910年代
杜塞尔多夫学校
蚀刻复兴
表现主义,c. 1890年代-1930年代
德国浪漫主义,c. 1790年代-1850年代
格兰德泽特
海牙学校, c. 1860s–1890s
海德堡学校,c. 1880年代-1900年代(十年)
胡西尔集团
哈德逊河学校,c. 1820年代-1900年代(十年)
20 世纪中叶北非和中东的胡鲁菲亚运动
印象派,c. 1860年代-20世纪20年代
不连贯,c.1882-1890年代
朱根斯蒂尔
莱斯纳比斯,c. 1890-1900年代(十年)
莱斯·文特
莱拉斯和菲古拉,c.1845-1900的
发光主义
里昂学校
马基亚奥利c. 1850 年代 – 1900 年代 (十年)
米尔伊斯库斯特瓦,成立于1898年
现代主义,c. 1860年代持续
自然主义
纳扎琳, c. 1810s– 1830
新古典主义,c. 1780年代-1900年代(十年)
新印象主义,c. 1880年代-1910年代
挪威浪漫民族主义,c. 1840-1867
诺维奇学校,成立于1803年
东方主义
佩列德维日尼基
尖点主义,c. 1880年代-1910年代
庞特-阿文学校,c. 1850年代-1890年代
后印象主义,c. 1880-1900年代(十年)
拉斐尔前兄弟会
现实主义,c. 1850年代-1900年代(十年)
现实主义,c. 1850年代-1900年代(十年)
浪漫主义,c. 1750年代-1890年代
分裂团体,c. 1890年代-1910年代
美国艺术家协会,c. 1877-1906
西班牙精英主义,c. 1845-1890年代
象征主义
综合主义,c. 1877-1900年代(十年)
蒂波斯·德尔帕斯
色调,c. 1880-1915
维也纳分离,成立于1897年
火山学校
白山艺术,c. 1820年代-1870年代
精神主义艺术,c.1870年–
20世纪
1900-1921

华西里·康丁斯基, 1903,德·布劳·雷特绘画,德·布劳·雷特21.1 厘米× 54.6 厘米 (8.3 在× 21.5 在)

巴勃罗·毕加索,萨尔蒂班克斯家族,1905年,毕加索的玫瑰时期

亨利·马蒂斯,《开窗》,1905年,浮华主义

巴勃罗·毕加索,《阿维尼翁》,1907年,原立体主义

乔治·布拉克1910年,分析立体主义

卡齐米尔·马列维奇,(第58号,前人),艺术博物馆,1916年,至高无上主义

马塞尔·杜尚,喷泉, 1917, 照片由阿尔弗雷德·斯蒂格利茨,达达

阿尔伯特·格莱泽斯,黑手套妇女,1920年,水晶立体主义

皮特·蒙德里安, Tableau I, 1921,德·斯蒂伊尔

学术, c. 20 世纪 (十年) – 持续
美国现实主义,c.1890年代-1920年代
分析立体主义, c. 1909-1912
装饰艺术,c. 20世纪20年代-40年代
阿什坎学校,c. 1890年代-1920年代
澳大利亚色调主义,c. 1910年代-1930年代
柏林塞塞西翁,成立于1898年
布卢姆斯伯里集团,c. 20世纪(十年)–1960年代
白兰地温学校
卡姆登镇集团, c. 1911-1913
建构主义,c. 1920-1922,1920年代–1940年代
立体主义, c. 1906-1919
库博未来主义, c. 1912–1918
捷克立体主义,c. 1910-1914
达达, c. 1916-1922
德·布劳·雷特,c. 1911-1914
德斯蒂伊尔, c. 1917-1931
德意志韦尔克本德,成立于1907年
迪布吕克,成立于1905年
表现主义c. 1890 年代 – 1930 年代
浮华主义, c. 1900-1910
未来主义, c. 1909-1916
德国表现主义,c. 1913-1930
七国集团(加拿大),c.1913-1930年代
钻石杰克,成立于1909年
发光主义(印象主义),c.1900年代(十年)-1930年代
现代主义,c.1860年代–持续
新古典主义,c.20世纪(十年)-持续
新原始主义,从1913年起
诺伊·肯斯特勒韦雷尼贡·门琴
11月格鲁佩,成立于1918年
客观抽象, c. 1933-1936
奥菲主义, c. 1910-1913
照片分裂,成立于1902年
皮图拉·梅塔菲西卡,c. 1911-1920
原立体主义,c. 1906-1908
纯粹主义, c. 1917-1930s
雷约尼主义
第二节,c. 1912-1914
至高无上主义,形成于1915-1916年
同步主义,成立于1912年
合成立体主义, c. 1912-1919
八, c. 1909-1918
十, c. 1897-1920
漩涡主义,成立于1914年
1920-1945

西奥·范·多斯堡,作文XX, 1920,德·斯蒂伊尔

马克斯·恩斯特,大象名人, 1921,泰特,超现实主义

查尔斯·德穆特,我看到图5在黄金,1928年,大都会艺术博物馆,精密主义

格兰特·伍德,美国哥特式,1930年,芝加哥艺术学院,社会现实主义

美国场景绘画,c. 20世纪20年代-50年代
阿贝茨拉特·弗·昆斯特
装饰艺术
包豪斯, c. 1919-1933
混凝土艺术
德环
德斯蒂伊尔, c. 1917-1931
巴黎生态
几何抽象
格鲁波 7
国际风格,c. 20世纪20年代-1970年代
卡皮斯特, c. 20 世纪 30 年代
魔法现实主义
新浪漫主义
诺伊·萨赫利奇基特
诺维森托意大利
11月格鲁佩,成立于1918年
精密性,c. 1918-1940年代
地区主义(艺术),c.20世纪30年代-40年代
恢复订单, 1918-1922
斯库拉·罗曼纳,c. 1928-1945
社会现实主义,c.20世纪20年代-60年代
社会主义现实主义
超现实主义,c.20世纪20年代-60年代
普遍建构主义,c. 1930-1970
1940–1965

Arshile Gorky,肝脏是公鸡的梳子(1944), 油画在画布上, 731~4 × 98″ (186 × 249 厘米)奥尔布赖特诺克斯艺术画廊,布法罗, 纽约.高尔基是亚美尼亚出生的美国画家,对抽象表现主义有着开创性的影响。德库宁说:”我遇到了很多艺术家——但后来我遇到了高尔基。。。他有一个非凡的天赋,打在头上的钉子:出色。所以我立即依附于他,我们成了非常好的朋友。 [14]
抽象表现主义
动作绘画
阿尔特·波维拉
艺术信息
组合
比阿特尼克艺术
芝加哥想象家
科布拉, c. 1948-1951
彩色场画
结合绘画
去拼贴画
弗卢克斯
发生
硬边绘画
动感艺术
厨房水槽学校
莱特主义
抒情抽象
新达达
新的野蛮主义
西北学校
新鲁瓦利梅
操作艺术
有机抽象
局外人艺术
恐慌运动
流行艺术
绘画后抽象
过程艺术
公共艺术
复古艺术
串行艺术
形状的画布
情境主义者国际
塔奇主义
视频艺术
1965-2000

艺术与语言,无题绘画(1965),泰特,概念艺术

艺术与语言,艺术语言第3卷第1卷(1974年),蒙特索罗城堡-当代艺术博物馆,概念艺术

托尼史密斯,她谁必须服从,1975年,托尼史密斯劳工部建设,极简主义

丹·弗拉文,无题 (角片), 1930,泰特·利物浦,安装艺术

抽象幻象主义
拨款
阿尔特·波维拉
艺术摄影
身体艺术
古典现实主义
概念艺术
多格梅 95
地球艺术
图文并发
丰克艺术
涂鸦艺术
超现实主义
安装艺术
互联网艺术
土地艺术
晚现代主义
光与空间
粗俗的
抒情抽象
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Titian如何描述绿色植物区系。他用什么颜色画树

美术课37,第25部分

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Titian如何描述绿色植物区系。他用什么颜色画树

Titian与他的年轻同事和竞争对手Veronese相反,他的窗帘并不特别喜欢绿色。因此,我们将关注他画中的绿色描绘,而将注意力集中在绿色帷幔上。

Titian如何描述绿色植物区系。 他用什么颜色画树

在绘制植被时,油漆层的结构(用于混合绿色的颜色)与Titian的同时代人对植被的描绘非常相似。我们可以与乔凡尼·贝利尼,希玛或其他画家比较提香的绿色绘画片段。

Titian如何描述绿色植物区系。 他用什么颜色画树
Titian如何描述绿色植物区系。 他用什么颜色画树

用于树叶混合的最常用的颜料包括大地色,例如:黄土,红土,铜绿和铅锡黄。也可以存在少量其他颜料。用于釉料的油是亚麻籽油。油漆层的顺序如下:首先,铺设棕色底模,通常除了黄色土外还包含红色土;然后,应用由各种黑暗导致的绿色层序列。在最后阶段,在最照亮的区域上应用了浅绿色的高光。

基督出现中,几乎所有包含淡黄色和黄色颜料的绿色色调仍然强烈而深沉。基督后面的树上有些绿色。褪色的叶子涂有深浅不一的棕色油漆,开始时并不是很强的绿色。该区域包含黄色和红色的泥土,一些铜绿,靛蓝和铅锡黄。顶篷的顶部涂有铜绿,铅锡黄和白色。为了获得深度的外观,Titian首先用半透明的黄土黄色棕褐色颜料在树上涂漆。该层给人以变色的绿色釉的印象。在顶部涂了单片叶子,因此仍然可以看到褐色的底层,从而使光线直射。阴影中的树叶涂有更不透明的棕色,由红色和黄色的地球组成。铜绿和靛蓝的加入使棕色漆呈现绿色。鲜绿色仅用于最主要的叶子。这种绿色是由铜绿,黄土,铅锡黄和铅白的混合物制成的。最亮的黄绿色是由锡铅黄和少许铜绿和黄土制成。

神圣家族(牧羊人)前景中的绿色景观保存完好。使用常规技术将其喷漆。草中涂上了铜绿,铅锡黄,黄土和铅白的混合物。

树木的叶子似乎是橄榄绿色和棕色。绿色可能会变色。但是,对样品的检查表明,最初使用的是棕褐色,并涂有半透明的黄棕色泥土,以及少量的铅锡黄色和铅白色。

Bacchus和Ariadne –尽管有些绿色可能已经褪色,但树上有各种各样的绿色和棕色阴影。右上角的树上涂有黄色和红棕色的颜料,并掺有少量的铜绿和铅锡黄。黄色颜料的使用表明Titian希望那棵树是秋天的。巴克斯(Bacchus)后面的小树很特别,因为它们涂上了寻常的铜绿,昂贵的群青和一点铅白色和铅锡黄色。前景植物具有丰富的绿色,可能是由层层的鲜绿色与铅锡黄色和白色构成的。绿色的植物和树叶被涂在透明的棕色底漆上,我们可以看到它没有完全重叠。

The Aldobrandini Madonna中的叶子也有很多绿色和棕色阴影。这些树木在Titian的职业生涯中最受关注。和以前一样,树木的棕色是艺术家的调色板选择,而不是变色的结果。样品显示,绿叶涂有黄色的泥土和铜绿,并加了少许铅白色和红色的泥土。然后将其粉刷成鲜绿色的铜绿,铅锡黄色和铅白色。从圣约翰十字架上方的树上截取的样本横截面表明,底涂故意是棕色的,用红色和黄色的土完成,几乎没有铜绿。在这种棕色底漆上,Titian施加了几层深浅不一的鲜绿色,并混合了土颜料,铅锡黄和铅白。

最后,我们将看一看非常漂亮的绿色窗帘,上面印有Tititan早期绘画《Christ and Adulteress》中的黄色。他绘画绿色窗帘的方式与Cima和Palma Vecchio的绘画中的绿色窗帘非常相似。

Titian如何描述绿色植物区系。 他用什么颜色画树

来自绿色帷幕的样品的横截面包含多层铜绿和铅锡黄,以及铜绿釉。

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提香如何描绘红色帷幕

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提香如何描绘红色帷幕

提香完美无瑕的表演中的红色以最出色的方式出现在他的画中。

提香(Titian)使用的红湖色颜料是较昂贵的颜料之一。但是,它们比黄金和群青便宜得多。尽管如此,在艺术家和专员之间的合同中也可以指定红色湖泊,因为通常是针对群青或金。

提香和他的同时代人画红色帷幕时遵循了他那个时代的传统。他们在油漆时使用了较便宜的madder湖,并用价格较高的kermes湖完成了红色通道。

让我们更详细地看一下提香画中的红色段落。

提香如何描绘红色帷幕

Bacchus在著名的Bacchus和Ariadne中的斗篷通过使用多个不透明和透明层的并置而被巧妙地创造出来。斗篷的浅粉红色底漆层由铅白色和一点点红色湖组成。在高光部分,该涂料以非常纯的白色涂在非常致密,不透明的涂层中。后来,它被釉料覆盖–在底漆上需要四层薄的红湖釉层才能获得如此丰富的绘画效果。玻璃层的深度从高光中的薄到阴影中的厚而强烈。带有铃鼓的女孩的淡紫色窗帘的铅白色和粉红色层饰有深蓝色,红色湖泊和白色的紫色混合物。最有可能的是,红色色淀颜料已经褪色到一定程度。

请记住,这需要时间。涂上每一层油漆之前,应充分干燥。

画中另一个非常漂亮的红色物体是Ariadne的腰带。横截面显示,在窗扇的上层中,有三层粉红色。第一层浅粉红色层由铅白色和一点红色的湖的混合物组成。接下来的几层含有较少量的白色,但混合物中已经含有少量群青。窗扇的上层完全是朱红色的。

提香如何描绘红色帷幕

提香(Titian)早期的《飞往埃及的航班》中的圣母穿着一条缎子般的红色连衣裙,其装饰方法与此相同。阴影中的红色湖泊的釉层应用在浅粉红色的造型欠佳的模型上,其中包含红色湖泊和铅白。底漆使用削片的红色色淀(糊状),最后的釉层用更昂贵的红色颜料(色母)完成。

提香如何描绘红色帷幕

对于“基督的出现在抹大拉的玛丽”中的红色帷幕,我们看到了同样的绘画方法。

提香如何描绘红色帷幕

玛格达莱纳(Magdalena)的裙子上涂有粉红色,不透明的铅白色和红色湖水底漆。在亮点中,几乎没有白色的模特儿。最后一层是带有红色湖泊的釉料,在褶皱的阴影中较厚,在高光部分较薄。

淫妇在基督的浅色礼服上披着宽大的红色带子,而淫妇则用红色湖上光。对于礼服本身,提香将铅白与少量的红色湖泊混合在一起。对于阴影,他还添加了一些群青。由于色淀成分已经褪色,因此整件衣服的颜色很可能在今天看起来有所不同。

对《有牧羊人的圣家》中圣母玛利亚的红裙子的横截面分析表明了绘制红色窗帘的典型建模过程。这件衣服有一层不透明的红色湖光和铅白色,最后是透明的红色湖光釉。

淑女画像》中精美的绘画效果通过涂料层的复杂结构来实现。让我们仔细检查它们。帆布上覆盖着石膏,上面涂有米白色底漆。使用各种颜色图层建立了底漆。底漆的第一种颜色是不透明的浅粉红色,包含红色色淀和白色铅。在第一层完全干燥之后,施加的下一层是铅白和群青的不透明蓝色混合物(但是,在某些地方几乎没有加入靛蓝)。造型欠佳之后是半透明的红色湖釉。该釉料是加入标准核桃油制成的。衣服的基本造型完成后,对玻璃层进行喷涂。这样,当散布的粉红色和蓝色层透红釉时,Titian就能为织物创造出这种奇妙的外观,

作为提香红葡萄酒的最后一个例子,我们将看一看大规模委托的全家福– The Vendramin Family

提香如何描绘红色帷幕

中心人物穿着一件深红色的长袍。与前面的示例相比,这些图层的结构非常简单–长袍是使用纯红色的湖水进行绘制的,中间色调和灯光混合了白色。

提香如何描绘黄色和橙色的窗帘中国数字油画网

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提香如何描绘黄色和橙色的窗帘

提香的黄色和橙色布看起来很壮观。让我们看看一些画作的颜料分析向我们展示了什么。

提香(Titian)最常用于黄色帷幕的颜料实际上是用于突出区域的一组有限的铅锡黄色(有或没有白色)。在橙色阴影和半阴影中,他在铅锡黄色中添加了红色的泥土。这几乎是Titian的绘画方式,对某些地方的色调几乎没有进行任何调整。

提香如何描绘黄色和橙色的窗帘
提香如何描绘黄色和橙色的窗帘

基督和通奸者中,中心人物的金黄色双峰是用铅锡黄突出显示的。双层胶阴影中的涂料混合物包含铅锡黄,红土和一点朱红色。

阿尔多布兰迪尼·麦当娜(Aldobrandini Madonna)截取的油漆横截面显示,黄色的圣贤最初穿着粉红色的连衣裙。这件衣服的颜色不是均匀的黄色,因为淡紫色是白色,红色湖泊和群青混合而成的。整个区域的粉底色为紫色,从粉红色开始,然后以较浅的中间调和浅黄色高光覆盖。

约瑟夫与牧羊人的圣衣披风是橙色的。对于最明亮的亮点,Titian仅使用雄黄。对于最淡的中间调,他将雄黄与土类颜料混合。最后,阴影由红色和黄色的泥土组成。

提香如何描绘黄色和橙色的窗帘

特别美丽的是酒神的橙色帷幕,酒神和酒神的酒瓶中有。横截面显示,雄黄单独用于最亮的高光,并与土类颜料混合以获得较暗的色调。在下面的层中,有一个深红色的底漆。颜色保持鲜艳和浓烈,但由于某些降解,油漆层易碎。

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提香如何描绘天空。他使用什么颜色中国数字油画网儿童美术培训

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提香如何描绘天空。他使用什么颜色

让我们分别看一看提香绘画中的蓝天,这是一个完全独立的主题。毫无疑问,巴克斯(Bacchus)和阿里亚德(Ariadne)是这方面的领先艺术品。

对Ariadne头顶上方的样本进行的检查显示,天空的粉底涂料是用青铜和白色颜料制成的。再往上看,天空变得更加强烈,深蓝色的群青被涂在基于青铜的底漆上。

飞往埃及的航班中,所有三种蓝色颜料都存在。Titian在他的早期绘画中通常使用这种颜料。群青被少量使用。它与白色混合在一起,在靛蓝和白色底漆之上的天空上部发现。

提香如何描绘天空。 他使用什么颜色

背景中的蓝色山脉涂有蓝铜矿,并与一个红色的小湖混合形成紫蓝色。

《有牧羊人的圣家》中,白色群青混合使用。云层中还可以找到少量的红色湖泊和黑色。

Vendramin家族的天空涂上了深蓝色和白色的群青。

提香如何描绘天空。 他使用什么颜色

在这幅画中(《基督的显现给抹大拉的马利亚》),多云的天空是用温暖的灰色涂料(主要由白色颜料组成)加上少量的黄色土和一些红色土完成的。将其与亚麻籽油混合。蔚蓝的天空上涂满了深蓝色和铅白色的群青。树木的叶子被漆成天空。

提香如何描绘天空。 他使用什么颜色

爱的胜利》中的天空看上去颇具印象派,尽管图层分析证实了Titian使用严格的图层结构对其进行了绘制。蓝色的靛蓝和一点点红色的湖被用作天空的底漆。在云层中发现了白色蓝绿色和群青颜料的混合物,这些云层上涂有更高比例的蓝色颜料。在左侧,天空还包含白色,黄色和群青。

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提香如何涂肤色-肤色描绘 中国数字油画网分析解读

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提香如何涂肤色-肤色描绘

在提香的肖像画中,他很少注意小细节,但用巨大的概括性描绘了一个人物和保姆的脸。例如,对带有with缝袖子的男人的近距离观察表明,细小的细节被涂上了经济色彩,在睫毛,眉毛,胡须和小胡子上很有启发性。Titian从他的老师Giovanni Bellini那里学到了这种方法。

Titian如何画肤色-肤色

肤色绘画(用于皮肤描绘的颜色)

提香如何涂上肉是艺术家希望他们知道的最想要的知识。对提香用于肉体的颜料和结合剂的分析会使那些认为“大师”拥有秘密成分的理论的粉丝失望。相反,提香和他的同事们以难以置信的简单和有限的方式画出了肉。

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对于那些正在寻找神奇配方的人,我建议您将精力投入到提高绘画技巧上,而不要抱怨颜料与老大师使用的颜料不同。

Titian的人物中有相当多种肤色。这种多样性是通过有限的调色板实现的。从绘画片段(果肉)中抽取的样品大多显示出相同的红色(主要是朱红色),黑色和当然还有铅白色颜料的简单混合物。有时,在混合物中或少量其他地球颜料中添加石。这是在的情况下,真正的基督和杨乃武与小白菜

Titian如何画肤色-肤色

在这幅画中,有许多人物的肤色从很浅到完全变黑。此肤色范围基于他通常的肤色设置,但已以多种组合使用。士兵左小腿的肤色主要是朱红色和黑色,右侧的男人也是如此。较轻的脸部以较大比例涂有白色。

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如果我们看The Aldobrandini Madonna,我们会看到淡淡的果肉色调被绘制得多么精致。为此,Titian使用了红色颜料(主要是朱红色和一些红色的地球颜料),并与铅白混合。

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酒杯腿的横截面以及来自Bacchus和Ariadne的the片表明,油漆的第一层是浅橙色-粉红色(由白色和少许朱红色组成),随后的更黄的层包含相同的混合物白色和朱红色,还有大量的黄色泥土。

Vendramin家族中,白铅和朱红色也用于肤色。阴影中可能有褐色釉层。

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